SILVERSUN PICKUPS – “WIDOW’S WEEDS”

La mayor fortaleza de Silversun Pickups siempre ha sido convertir la ansiedad en algo consumible y que representa catarsis. Eso los ha hecho ser un extraño híbrido nacido en la costa Californiana pero que cuenta con esa nostalgia pseudo urbana que tantas bandas de los lagos del noroeste de los EE.UU. tienen en su sonido. Sus canciones son lo suficientemente subversivas para crear un encanto radical hacia ellas ,pero al mismo tiempo, son un reconocimiento general del “teenage angst” de finales de la década de los 90s.

Sus dos canciones más conocidas, “Lazy Eye” incluida en su álbum del 2006, Carnavas y “Panic Switch” que forma parte de Swoon, lanzado en el 2009; dividen la diferencia entre la angustia subestimada e incendiaria – por momentos dentro de una sola estrofa – y en cuanto a lo que se refiere a la experiencia auditiva, ambas canciones son un emocionante ataque melódico. ¿Fueron estos dos temas los que iniciaron un nicho muy particular dentro de la escena indie que únicamente ocupaban ellos? Tal vez no, pero más de una década después, el poder de la permanencia de Silversun Pickups a través de esas dos canciones no se ha agotado.

Sin embargo, Silversun Pickups, no cuenta con tanta suerte en Widow’s Weeds, su más reciente producción, ya que parece un disco que parece haber sido escrito después de una larga siesta. En lugar de repetir esa fórmula que los posicionó como uno de los actos más representativos de la escena alternativa de principio de milenio, ellos junto a Butch Vig, prefirieron hacer un sonido “cálido” que se disuelve poco a poco mientras el disco avanza. “It Doesn’t Matter Why”, el primer sencillo del álbum, pisotea casi por completo todo lo que la escuela post-punk le pudo haber enseñado al cuarteto. El sonido es demasiado refinado, herméticamente sellado y transitado por una zona absurdamente “segura”.

“Neon Wound”, canción que abre el disco, carece de toda esa tensión dinámica que caracteriza(ba) a la banda. Desperdiciando espacio sónico, fricción dinámica y una mayor idea de cómo empezar un álbum. La pista podría pasar como un lado b de Neck Of The Woods (2012). “Songbirds” y “Straw Man” no son tan diferentes, esfuerzos plásticos que tienen arcos melódicos telegrafiados, pianos sin alma y unas percusiones que, muy a pesar de ser de las mejores que les hemos escuchado a la banda, son predecibles y sin mucha idea de la dirección que deben tomar.

Su afición por el melodrama también permanece intacta en Widow’s Weeds. La mayor parte aparece en ciertas secciones de cuerdas, salpicando al álbum con colores que se van desgastando mientras el disco avanza.

En consecuencia, los mejores momentos del álbum son aquellos en los que Silversun Pickups sacude su malestar, abandona la pose y se vuelve real. Christopher Gunalo trae el caos que tanto se necesita al frente en “We Are Chameleons”, sus estallidos de staccato perforan el paisaje grunge, deformándolo hacia una vertiente de sonido alternativo que pareciera haber sido concebida por Billy Corgan y que logra que sus compañeros de banda sublimen ese sonido – aunque sea temporalmente – en algo más grande.

Widosw’s Weeds contiene poco del electrizante suspenso que había hecho que Silversun Pickups fuese una de las bandas más complejas y prometedoras del nuevo milenio. En este álbum internalizan demasiado sus ideas, las ocultan y solo tienen gestos vacíos llenos de ejecuciones perezosas. 20 años después, los vemos por lo que son, una banda un poco más grande, un poco más melancólica, pero también, un poco más aburrida.

Advertisements

“CAN’T DENY ME” by PEARL JAM


Cinco años después del agradable y complejo Lightning Bolt (2013), Pearl Jam vuelve con nuevo material a cuestas. Dado el clima político actual, no es de sorprender que Eddie Vedder haya estado afilando sus letras pero, en esta ocasión, su vehículo lírico lleno de desdén puede sorprendernos. “Can’t Deny Me” es un sencillo veloz, con toques “pop”, momentos que enganchan y un sonido de guitarra “limpio” para los estándares de Pearl Jam.

A pesar de ello, ninguna cantidad de indignación o ira puede cambiar el espíritu creador que los de Seattle invocaron en Lightning Bolt, sin embargo, su sonido sigue fiel a esos momentos que “Bushleaguer” invocaba. El protagonista de la canción podría ser humillado, despojado de su economía; y en esta narrativa, la voz de Vedder sirve como vehículo para hacer entender que muy a pesar de los que ignoran a la clase trabajadora, estos no pueden negarlos o su existencia o su preponderancia en un sistema que, día con día, se resquebraja más.

El impacto de “Can’t Deny Me” viene con el bombardeo directo de riffs y ritmos que hacen del tema un aullido que, inherentemente, parece de principio un completo desastre. Pero ya que uno se enfoca en su sonido, en cómo transita y en cómo comienza y termina, encontramos un estribillo estruendoso y un puente absolutamente fantástico que le dan magia a un conjunto irregular de elementos que entregan muchísima coherencia a la hora de comprender el track, que va mejorando gracias a esos múltiples giros que lo hacen ser más rimbombante.

Al final, lo que al principio parecería ser demasiado de muy poco, rápidamente se convierte en un grito de guerra rebelde e hiperactivo. “Can’t Deny Me” es una exhibición visceral y directa que engloba el sentimiento generalizado de repudio hacia un líder escueto por parte de una población diezmada por la incompetencia de este, y Pearl Jam lo resume de maravillosa manera.

THE BEST OF 2017

 

Cada año nos llenamos de nuevas letras, nuevas melodías y ritmos  que llenan nuestros oídos de nuevas emociones e intenciones. Cada año, la música, se renueva y  nos da la oportunidad de volvernos a emocionar con una de las formas de expresión más puras que el hombre tiene. Una vez más, otro año, nos entregó lo mejor de lo mejor en canciones y álbumes que nos da placer escuchar; por ello a continuación, compartimos un resumen en 100 canciones de lo que fue lo mejor en cuanto a canciones/álbumes del 2017.

https://open.spotify.com/embed/user/the_davo_/playlist/6tpXpgUfGbq3a77fCUDdxt

 

CHRIS CORNELL †

Una de las cosas que más me emocionaba en la adolescencia era la de ir todos los sábados a comer a casa de mi abuela Lucha solamente para tener la oportunidad de escuchar algún nuevo disco que mi tío Lalo me presentaría. Él ha sido, y sigue siendo, una de las mayores influencias musicales en mi vida, quien más me ha enseñado, compartido y empujado a siempre encontrar nuevas formas de entender y aprender a través de la música. Una de esas tardes de comida familiar en la que había casa llena y comida deliciosa como cada sábado, me dirigí a su cuarto esperando encontrarlo pero ese día Lalo no estaba, sin embargo, sobre su escritorio encontré dos discos y una nota que decía: “Escucha, y luego platicamos”. Uno era Superunknown (1994) de Soundgarden y el otro era el homónimo de Temple Of The Dog. Primero escuché el de Soundgarden y lo que más me sorprendió de los dos discos fue la voz del Cornell, que era y siempre será única. En Temple Of The Dog me pareció familiar una de las voces, después me sorprendió descubrir era la de Eddie Vedder y sin embargo la voz de Chris Cornell tenía una preponderancia única, parecía deshacerse con cada grito, con cada nota alta, sin que esto le requiriera ningún tipo de esfuerzo.

Esos dos álbumes me han seguido por mucho tiempo. Son discos a los que, junto a muchos más, regreso para recordar buenos momentos, analizarlos otra vez, estudiarlos o simplemente por el gusto que significa escucharlos. Pero a partir de este 17 de mayo estarán empapados de una melancolía indescriptible para todos aquellos que crecimos y vivimos esa etapa en la que muchos estábamos dejando de ser niños con ellos como soundtrack.

Yo le agradezco a Chris Cornell su “Blackhole Sun” y la tristeza que se encontraba camuflageada en su simpática melodía, le agradezco su “Can’t Change Me” que me hizo aprender que uno puede cambiar dentro y fuera de una relación (para bien o para mal), le agradezco su “Seasons” y ese sentimiento que para mí representaba un período de reencuentro a pesar de sentirme perdido, pero lo que más le agradezco, son esas notas, esas letras, esas canciones sentidas en lo profundo y ese protagonismo de ser el director de una escena a la que le dio forma sin recibir ningún tipo de crédito en aquella época.

Soundgarden, Temple Of The Dog, e inclusive Audioslave, son herramientas que Chris Cornell utilizó para edificar una parte única de la música, ya que el grunge, de entrada, ha sido el último movimiento musical en el llamado mundo del rock que realmente significó un cambio trascendental y El Señor Cornell fue y es parte fundamental de él.

ADVENTURES

adventures_weektune

Abogando a la nostalgia, Adventures es una banda que revive esos momentos de banda de garage, viejos converse rojos y la esencia de la eterna juventud que pululaba la Generación X. Con su álbum debut, Supersonic Home (2015), la banda liderada por Reba Meyers, Joe Goldman y Jami Morgan (miembros también de Code Orange) se complementa con Kimi Hanauer y Dominic Landolina para desplegar texturas melódicas que a más de un seguidor de Code Orange incomodaría.

Adventures, a través de Supersonic Home, dibuja colores y melodías llenas de un agridulce sabor a melancolía juvenil con potencia a medio pedal, pero que hacen vibrar a aquellos que buscaban un escape a esas épocas en las que Billy Corgan y compañía transitaban las carreteras en un camión de helado.

A pesar de ser la otra cara de la moneda en cuanto a lo que musicalmente Code Orange es, Reba Meyers, Joe Goldman y Jami Morgan entregan a través de Adventures esa infecciosa energía compartida con Code Orange. Y si bien el sonido de Adventures es más pegajoso, es igual de arriesgado que el de Code Orange únicamente por la razón de salir de esa zona de confort que les ha brindado el hardcore logrando un sonido fresco y muy diferente.

“Heavenly” es el primer sencillo del disco debut de está banda y contiene todos esos elementos musicales, visuales y emocionales que caracterizaban la música alternativa de los noventa: Riffs edificantes y brillantes, y una letra emocionalmente filosa.

Adventures hace que al menos tres de los pilares de Code Orange se alejen de esa brutalidad y agresividad que los caracteriza en su banda de hardcore, logrando que los escuchas se den cuenta que no todo es violencia y estruendos en los originarios de Boston, pero que son capaces de estar en contacto con todas sus emociones, influencias y proyecciones personales para expresar un espectro de colores que con apenas un álbum promete entregar un respiro a la aún existente, y cada vez más agónica, Generación X.

CODE ORANGE – “FOREVER”

code_orange_forever

Una advertencia para todos: La banda una vez conocida como Code Orange Kids ya no son niños. El cuarteto de Pittsburgh, que ha existido desde que los cuatro cursaban la preparatoria, ha pagado sus cuotas al sobrevivir siendo los inadaptados y los raros en un ambiente tan hostil como lo es cualquier preparatoria en dónde el atreverse a ser “diferente” es un mero acto de supervivencia día tras día.

Code Orange encarna cada una de las emociones que una víctima de bullying siente y va construyendo durante sus años de estudiante; sin embargo, la capacidad del cuarteto para canalizar dichas emociones a través de la música ha dado frutos como girar con Misfits y Deftones. Así, Code Orange se ha posicionado como una de las bandas más importantes de la escena de la música dura. Su anteriores producciones, Love Is love / Return To Dust (2012) y I Am King (2014), fueron producidas por Kurt Ballou, guitarrista de Converge, que junto a Jacob Bannon (vocalista de Converge) y su disquera Deathwish Inc. les otorgaron un voto de confianza a los bostonianos para compartir su arte, y el arte de Code Orange abarca una infinidad de espectros que van desde la agresividad y visceralidad en su música, y con Forever, su tercer álbum, ofrecen pruebas convincentes de que sus ardides de superioridad, en su mayor parte, están justificados.

Tal vez lo que hace tan especial a Code Orange es que no hay un líder en la banda. El grupo es como una entidad que comparte mente, corazón y cuerpo logrando un balance dentro de la estructura de la banda que, a pesar de ser tan jóvenes, les da una unidad que muchas bandas veteranas quisieran tener. Así se crea una cacofonía que viaja de los gritos de Jami Morgan hasta llegar a la voz de Reba Meyers complementándose con las vocalizaciones de Eric Balderose, mientras que Joe Goldman hace lo propio con una voz interna que es un leviatán y lo transforma en una bestia sobre el escenario.

Hay momentos en Forever, dónde la banda parece desvanecerse entre silencios antes de materializarse otra vez. Estos “intermedios” son el arquetipo que incluso en vivo, la banda utiliza para darle un matiz más dramático a su música. “Kill The Creator” y “The Mud” son ejemplos en los que la banda apuntala esta táctica y a pesar de seguir sonando crudos y con un sonido primitivo, se nota un mayor trabajo en las estructuras de las canciones, mejor producción y una clara madurez que les ha ayudado a intentar cosas diferentes como en “Bleeding In The Blur” donde Reba Meyers deja la voz gutural de lado y se entrega a un sonido melódico, que por momentos, nos recuerda a esa escuela del grunge más medular de Seattle. Mientras que “Hurt Goes On” es un tema Reznoriano que se destaca por sus sonidos atmosféricos lúgubres, su voz pausada y su errática estructura melódica.

Forever trajo consigo mucho más de lo que se podría imaginar para esta banda. Mientras que en la superficie del disco encontramos ira y agresión, en su interior descubrimos una bestia única y devastadora. Hay un gran uso de estructuras aquí, sorpresas y mucha energía de principio a fin. Forever no es un álbum únicamente de música “pesada”, si no de música “pesada” eficaz que eleva la presión arterial, tensa los músculos y nada dentro de la mente. Si Forever es sólo el comienzo, entonces habrá más excelencia musical de parte de Code Orange en los años por venir.

SKUNK ANANSIE – “ANARCHYTECTURE”

skunk_anansie_anarchytecture

Menos enojados y más enfocados en un estilo más alternativo que grunge, Skunk Anansie regresa con Anarchytecture, un álbum que promete entregar un momentum de riffs potentes y maduros con esa característica anti-racista y anti-amor que desde Paranoid & Sunburnt (1995) no se habían escuchado, y que de alguna manera, redefinieron el sonido del rock alternativo inglés en la década de los 90s.

Anarchytecture es un álbum interesante que resalta por sus canciones suaves y oscuras y al mismo tiempo cargadas de una sensualidad que se destila de la voz de Skin logrando un balance entre la actitud punk de los ingleses y esta nueva etapa en la que se han visto más maduros y dejando ese drama del pasado como un gran aprendizaje musical.

“Victim” o “Bullet” son temas que recuerdan el fuego de sus producciones anteriores, pero un nuevo sonido esta incrustado muy en lo profundo del ritmo de este álbum. La canción que abre este disco, “Love Someone Else” tiene una similitud al disco de los 70’s que le imprimen un ritmo cadencioso y pegajoso, muy diferente al letargo sonoro que caracteriza al cuarteto.

Y de entre las guitarras amenazantes y el estilo sonoro industrial también hay momentos preciosos aquí: “Death To The Lovers” es una pista emocionalmente desgarradora que, por su ritmo estridente, se las arregla para mantener el impulso hacia adelante de laminación que tiene el álbum.

“I’ll Let You Down” es el tema que cierra a Anarchytecture, y de nueva cuenta, Skunk Anansie nos sorprende al entregarnos una balada que estremece con sus guitarras y su sonido gentil.

Anarchytecture es un disco que se recorre en menos de cuarenta minutos, el álbum nunca baja el ritmo y aparece como una llamarada de energía que aparenta durar aún más. Esto a servido para que la banda explore de manera definitivamente una impermeable estética que les ayuda a conservar la cruda intensidad de su música.