MACHINE HEAD – “CATHARSIS”

Aquel viejo adagio que dice: “Ya no hacen las cosas como antes”, solo se aplica para el 75% del heavy metal moderno. Aunque en el caso de Machine Head aplica a la perfección. Liderada nada más y nada menos que por el guitarrista y vocalista, Rob Flynn, esta banda originaria de Oakland, California, no ha tenido falta de contenido o dedicación a la hora de hacer un nuevo álbum. Además, a través de los años, Flynn ha explorado todos los aspectos del metal que le interesan, y en épocas seleccionadas, ha permeado alguno de los álbumes de Machine Head exclusivamente con esos intereses.

Ahora, en 2018, Rob Flynn y compañía nos entregan Catharsis como continuación de Bloodstone & Diamonds (2014). En Catharsis, Flynn parece disfrutar cambiar su voz de un sonido áspero y gutural a melodías más limpias, a frasear y casi a recitar o lo que parezca adecuado en el momento. Después de que el bajista Adam Duce dejara la banda en el 2013, Machine Head tomó una nueva dirección con la armonización de las voces de acompañamiento, que fueron manejadas en ese momento y de excelente manera por Jared MacEachern. Esto es vital de mencionar para el entendimiento de Catharsis, ya que MacEachern juega un papel muy importante en el equilibrio de la armonización del álbum. Además, otros miembros detrás de la locura de este álbum son Phil Demmel y Dave McClain, ambos también hacen su parte al explorar nuevas maneras de acercarse a la música dura y amalgamarla con el resto de los integrantes de la banda.

Con cada parte de Machine Head llevando su música hacia nuevas direcciones, el álbum comienza con el clásico sonido de “Volatile”. Con contundencia, la canción provoca hacer un circle pit en el que el sonido viaja de lo gutural a lo melódico de manera veloz. Esto es repetido con frecuencia a lo largo de todo el álbum y si creen que esto puede ser un retroceso hacia el estilo que Machine Head manejaba a finales de los 90s, están equivocados, Catharsis esta lleno de sorpresas que evitara que se conformen con algo mediocre. De hecho, “California Bleeding” abre oportunidades entretenidas en el sonido de la banda al mezclar estilos diferentes que, de alguna forma y por inusuales que sean, funcionan decentemente sin demasiado caos.

Trasladándonos al corazón de Catharsis encontramos “Bastards”, una melodía inesperada y que es muy personal. Se trata de un poema que Rob Flynn escribió, a manera de protesta, para rechazar cada uno de los aspectos del gobierno actual en los EE.UU. Si bien este tema es de naturaleza muy calmada, pronto nos eleva hacia alturas inesperadas. Después, “Screaming In The Sun” va cambiando de ese estilo de groove metal parecido al que alguna vez Pantera manejó, hacia un estilo vocal más limpio y armónico que llega a su cénit con “Behind A Mask”, un corte acústico que esta cargado de emoción. Esta canción, si bien puede carecer de toda esa “herencia” de metal, en realidad es una canción que se hace un clásico instantáneo de la banda por su ejecución, su creatividad y por retar al género para sorprender y satisfacer.

Sin embargo, la canción más destacada de todo Catharsis es “Heavy Lies The Crown”. No solo esta canción tiene todos los atributos favoritos de los fans de Machine Head, desde las letras, los riffs y los ritmos tremendamente pesados, la canción se hace un viaje complejo de más de ocho minutos que fluye tan bien, que parece ser más corto.

En Catharsis, por lo general y con frecuencia, hay muchos pensamientos dispersos que casi se vuelven absurdos hasta que, con mucha habilidad, la banda a través de un riff, un ritmo o una lírica armonizada salta para desterrar el caos. Una melodía magistral y que se apega a esas reglas es el tributo a Lemmy Kilmister (1945 – 2015), “Razorblade Smile”, un track que destaca por su tempo, su estructura y claro, por enaltecer la carrera del que fuera el vocalista y bajista de Mötorhead.

En resumen, Catharsis, se puede ver desde dos puntos de vista opuestos. El primero es que este álbum se desvía salvajemente de cualquier tipo de enfoque o sonido específico, jugando según el estado de ánimo y el momento en el que, principalmente, Rob Flynn se encontraba. La otra cara de la moneda es que con actitud y maneras, algo más se ha apoderado de el álbum y lo ha empujado hacia una multitud de originalidad sin “venderse” e invitando a los fans más medulares del metal a acercarse a otras formas de crear “su” género.

Sea cuál sea la perspectiva en la que Catharsis se observe y se escuche, se debe decir que Machine Head ofrece todos los aspectos más apasionados de crear música a la par de ofrecer una experiencia ecléctica y única con este lanzamiento.

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FOO FIGHTERS – “CONCRETE & GOLD”

A lo largo de los últimos 22 años, Dave Grohl y compañía han demostrado que pueden transformar canciones simples en “himnos” del rock aptos para llenar arenas. Cada una de las presentaciones de la banda incluye esta formula, y al mismo tiempo, funciona como un reloj que marcha de forma perfecta al comenzar con multitracks como “This Is A Call” para llegar al arco completo de Sonic Highways (2014) que hace eco en su última producción, Concrete & Gold.

Sin embargo, semanas después del lanzamiento de su noveno álbum, alguno seguimos preguntándonos cuál es todo el alboroto que representa Concrete & Gold. Lo mejor que se puede decir a cerca de este álbum es, que bajo la superficie de “oro” y “concreto”, Grohl intenta desesperadamente resurgir para seguir autoproclamándose el “rockstar del pueblo”.

Concrete & Gold es un álbum lleno de reminiscencias de todas aquellas bandas a las que Grohl les ha profesado su amor alguna vez. “Dirty Water” resuena a la rutina musical que Mötorhead creó a través de sus riffs, mientras que el primer sencillo “Run”, suena a una versión para gente nice de crust punk.

También escuchamos golpes y acordes de guitarra precisos, casi como esos con los que Angus Young nos ha deleitado en más de una ocasión. “Make It Right” y “Arrows” son claro ejemplo de ello y se vuelven temas que acaparan la atención del escucha y, por momentos, nos hacen creer que Dave Grohl y compañía tienen un as bajo la manga.

Pero lo que enturbia las aguas de Concrete & Gold son sus “incursiones” en el pop. Motivos que podrían haber encajado en un álbum completamente diferente de una banda totalmente diferente a los Foo Fighters. En su eterno esfuerzo de querer ser el arquetipo del “rock”, Dave Grohl comete los pecados de querer empatar estilos que, durante gran parte de su historia, han sido como el agua y el aceite. “The Sky Is A Neighborhood” presenta arreglos y melodías parecidas a Prince. Taylor Hawkins en “The Line”, parece coverear a The Eagles en una canción donde Justin Timberlake y Shawn Stockman prestan su voz en un truco que solo demuestra la falta de compromiso profesional de una banda que intenta tener una atracción universal hacia todos los estilos musicales.

Tal vez, en parte, la responsabilidad de este “intento” de buscar converger estilos, formas y maneras la tiene el productor de Concrete & Gold, Greg Kurstin, quien ha producido discos de interpretes como Adele, Sia o Halsey. Esto únicamente logró que el álbum, en vez de transformar totalmente el sonido la banda, le aportó suficiente artificialidad y plasticidad para tener a Lemmy Kilmister y a los Hermanos Young pateándole los dientes a Dave Grohl durante horas.

Ultimadamente, Concrete & Gold es un álbum que si bien enaltece el aislamiento que Grohl decidió tener después de su pierna rota, carece de una forma definida. Si, tal vez tendrá grandes temas que harán cantar a más de un fan en una arena con capacidad para 200,000 espectadores, pero eso no deja que este LP se vaya quemando a fuego lento y que la energía de la que carece pudiese resurgir al intentar cosas realmente diferentes u osadas como el ex baterista lo hizo alguna vez en Nirvana. Dado el pedigrí de los Foo Fighters en acústica y entrega emocional, la banda podría haber hecho estallar el core del rock alternativo, en cambio, Concrete & Gold se torna una oportunidad perdida… Sin importar cuantos discos vendan o cuantos estadios llenen.

 

METALLICA – “HARDWIRED… TO SELF-DESTRUCT”

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En un nuevo amanecer para la música pesada en el que intrépidas bandas se atreven a redefinir el metal, ¿Cómo la banda más renombrada del género puede mantener su relevancia? A la velocidad a la que vamos y en la forma en la que la música de todo género progresa debemos preguntarnos si habrá un lugar en el futuro para Metallica fuera de los libros de historia. A este ritmo, dónde la definición del género continua expandiéndose en relación con lo que solía ser a principios de los 80’s, ¿puede Metallica mantener el paso? Hardwired… To Self-Destruct puede ser la respuesta.

Atrapando a los oyentes rápidamente, Hardwired… To Self-Destruct se abre paso reintroduciendo los mejores elementos de la banda. “Hardwired” y “Atlas, Rise!” son bestiales. Estallan de vitalidad. La primera es un ejemplo de cómo, después de tantos momentos de tormento, la banda logró trabajar como tal, esa conjunción que desde Master of Puppets (1986) no se escuchaba. Mientras que la segunda, es masiva, con grandes elementos melódicos y uno de los coros más pegajosos en todo el catálogo de Metallica. Los riffs de “Atlas, Rise!” tienen un impacto serio gracias a la batería de Lars Ulrich, que sin mucha novedad, sigue siendo la seguridad rítmica de la banda, mientras que el solo de Kirk Hammet es jactancioso y épico, dando a entender que la banda esta en el mismo barco remando hacia la misma dirección.

Pero entonces, las cosas comienzan a desmoronarse desde el núcleo del álbum. La voz de James Hetfield, por momentos, suena titubeante y evita que canciones cómo “Now That We’re Dead” se conviertan en clásicos. “Confusion” comienza queriendo ser un tema progresivo y complejo pero tropieza con su progresión de acordes fuera de lugar y a esto le sigue un paso en falso llamado “ManUNkind”, con corpulentos riffs bluseros y cambios de tiempo en los que pareciera que cada integrante de la banda pareciera estar en desacuerdo; es como si esta se constituyera de 4 ideas diferentes que no pudieron converger.

Desde ese punto, todo se convierte en un downhill. “Here Comes Revenge” sería una secuela sónica de “Enter Sandman” si no fuera por sus destiempos y decepcionantes crescendos. “Am I Savage?” y “Murder One” dejan atrás todo por lo que Metallica se convirtió en Metallica: La velocidad. La primera se aferra a un solo de Kirk Hammet que podría ser soberbio si no fuera por ese sonido inerme que lo rodea, mientras que “Murder One” podría pasar por un tributo a Mötorhead si sólo lo tocaran al doble de velocidad.

En casi 80 minutos, es comprensible que un álbum como Hardwired… To Self-Destruct tenga momentos de tranquilidad, pero se vuelve demasiado cómodo demasiado pronto, e incluso, sigue tropezando sobre sí mismo una y otra vez. Para cuando llegamos a “Murder One” nos surgen dudas sobre si Metallica sigue reconociendo su propio estatus, apostando por sonidos salidos del rock sureño.

Afortunadamente el arma secreta de Hardwired… To Self-Destruct se llama “Spit Out The Bone”, canción que casi manda todas las dudas sobre este álbum al olvido. Un sonido thrash glorioso lleno de velocidad y riffs que, sin duda, se escucharían mejor acompañados de esa distorsión que engalanó a la banda en los 80’s pero que tal vez dirija a Metallica en la dirección correcta para trabajos futuros. Así, “Spit Out The Bone”, cierra el álbum, tomando los acordes de apertura de “Hardwired” y acelerándolos con una precisión y melodía únicas. Su violencia y emoción cambian naturalmente al igual que los ritmos del tema y esto permite momentos fantásticos como aquellos en dónde Rob Trujillo canaliza a Lemmy Kilmister en un solo de bajo, demasiado bajo. Aquí se escuchan los solos más enérgicos de Hammet mientras que Hetfield se concentra en crear riffs reptantes que se dispersan a lo largo de la canción para mantener a los oyentes al borde de sus audífonos.

Es lamentable que una conjunción como esta se encuentre al final del álbum. Una canción que pudo haber sido el arquetipo para todo el sonido de Hardwired… To Self-Destruct, sin embargo, el combustible que se ha quemado en los corazones de incontables fans de Metallica durante décadas, seguirá siendo esa energía que la agrupación necesita para demostrar que la vieja maquinaria aún no esta acabada.