“THE QUEEN’S CONSTELLATION” by JUNIUS

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2009 fue el año en el que los bostonianos de Junius lanzaron su primer LP, The Maertyrdom Of A Catastrophist, basado en el libro Mundos En Colisión (Immanuel Velikovsky, 1950), el cual intenta refutar (de manera muy acertada y científica) los orígenes de la tierra, el hombre, el clima y un sinnúmero de fenómenos terrestres y celestes que presenciamos todos los días. El álbum fue una experiencia musical maravillosa, sumándole el concepto que se escondía en sus notas y letras y que hizo de este el primer álbum en una trilogía de discos conceptuales que se complementan con Reports from the Threshold of Death (2011), álbum que habla de la muerte, la reencarnación y las experiencias cercanas a la muerte y Days of the Fallen Sun (2014) un EP pseudofinal que no puede ser mejor descrito como música que narra los últimos días del planeta.

Tres años y un integrante menos (Mike Nieves) después, la trilogía cierra con Eternal Rituals For The Accretion of Light, disco que está planeado para ser lanzado el 3 de Marzo y que esta basado en el libro Initation (Elisabeth Haich, 2000). El álbum toca temas como el trascender mental y espiritual, aprendiendo que el amor es crucial para ese viaje. En el primer sencillo, “The Queen’s Constellation”, podemos notar que la nueva producción cuenta con ese sonido clásico y grandilocuente que lleva a la banda a lugares aún más diversos.

“The Queen’s Constellation” abre con una filigrana en el teclado mezclando riffs sísmicos y melodías vocales que denotan la influencia vocal que tiene Joseph E. Martínez (Vocalista de Junius) de Chino Moreno y que perfecciona la maquetación a la que Junius nos tiene ya acostumbrados, para llenarnos de sonidos tan poderosos como sutiles, logrando un equilibro perfecto entre ambas dinámicas sonoras. De igual forma, “The Queen’s Constellation”, es una canción que sirve de perfecta introducción para lo que viene en Eternal Rituals For The Accretion of Light, digamos que es un intro de cinco minutos en los que podemos percibir las texturas, la calidez y la filosofía que Junius esta próxima a entregar.

SÔBER – “VULCANO”

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Vulcano, el álbum más reciente de los madrileños de Sôber, se caracteriza por estar repleto de emociones y galopes rítmicos que hacen de este disco una pieza maravillosa de hard rock que supera a producciones anteriores cómo Superbia (2011) y Letargo (2014).

Fieles a su estilo, los hermanos Escobedo, acompañados de Antonio Bernardini y Manu Reyes, logran armar en once canciones un recorrido a través de esas emociones tanto sencillas como complejas que atormentan a cualquier persona con suficiente sangre en la cabeza y calor en el corazón para dejarse llevar. Vulcano es un álbum capaz de recorrer el presente, el pasado y el futuro de Sôber. Entre riffs potentes, baterías veloces y voces que acogen al escucha, Sôber logra crear momentos de intimidad y familiaridad que difieren de cualquier otro período de ímpetu de la banda, y vaya que la intensidad los caracteriza, siendo una de las bandas más dinámicas sobre un escenario.

“Enterrado” es similar a lo que Paradysso, allá por el 2002, quería manifestar musicalmente. Una voz intensa y melódica por parte de Carlos Escobedo acompañada de los acordes complejos de su hermano Jorge. Este es uno de los puntos más eficaces de una banda como Sôber, la manera de llevarnos en un viaje a través de su historia con cada canción sin perder la frescura y novedad. Sin embargo, “La Escalera”, denota un momento más íntimo y descarado de Vulcano, una senda en la que la banda se atreve a seguir haciendo melodías potentes pero acercándose un poco más a la crudeza que en Morfología (1999) los definía.

A pesar de lo clásico que puede ser Sôber, incluso en producciones nuevas como lo es Vulcano, también encontramos momentos arriesgados y que distan de ese color que los españoles manejan a la perfección. “El Viaje” extrae el ambientalismo del post-rock para hacerlo parte del fervor del hard rock, la composición es diferente y la narrativa de la canción también, crescendos de poder mientras al fondo se siente una atmósfera letárgica que genera mirar hacia una dirección diferente en la que Sôber quiso apuntar en esta canción. Sin ser balada, sin ser un potente track, Sôber logra en este tema un momento que lo aleja de toda su historia y lo dispara mil años luz al futuro.

En “Papel Mojado” encontramos guitarras compenetradas, bien ensambladas y que logran dibujar melodías preciosas alrededor de la voz de Carlos Escobedo; mientras que “Estrella Polar” se convierte en uno de esos clásicos cortes de Sôber que ya hemos escuchado en canciones como “Náugrafo” o “Letargo” dándole ese toque de balada a un disco que cierra de manera brutal con “Magnolia”, una canción cargada de un groove metalero que va de menos a más con un magnetismo sonoro que rodea al escucha con mucha distorsión y le da un respiro con un estribillo melódico y pegajoso.

Vulcano es un álbum que sigue marcando la evolución y consolidación de Sôber, una banda que fiel a su estilo, ha sabido encontrar los momentos más importantes para renovar su sonido y convertirse en una banda que merece larga vida y prosperidad.

MONO – “REQUIEM FOR HELL”

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El cuarteto de Tokio, Mono, puede no haber sido siempre la más original de las bandas que entraron al terreno del post-rock. Comenzando su carrera cuando el trayecto de este género ya tenía a grandes representantes, como GS!YBE o Mogwai, Mono ha permanecido como un constante recordatorio de la dinámica del género a pesar de que la fórmula para hacer post-rock se ha reformulado en pocas ocasiones.

A pesar de no reinterpretar la forma de acercase a su música, Mono, ha sabido sobrevivir en una época en la que el post-rock ha sido un poco aislado del mundo musical. En gran parte esto deben agradecerlo al trabajo de Steve Albini que les produjo 3 álbumes y los apoyó como su ingeniero de audio y sala en varias giras, además de ser una de las bandas más conocidas de Japón y constantemente estar creando, inventando y escribiendo nueva música.

Así es cómo 10 años después, Mono, regresa con su noveno álbum de estudio Requiem For Hell, un esfuerzo musical que conglomera lo mejor del back-to-basics de la banda y los reconecta con su sonido original al mismo tiempo que buscan tocar territorios más oscuros y pesados. También, Requiem For Hell, ve a la banda regresar a la producción de Steve Albini que logra encaminar de manera increíble este álbum inspirado en la Divina Comedia de Dante Alghieri.

Si no están familiarizados con la música de Mono deben saber que son dos guitarras, un bajo y batería que a momentos suenan monstruosamente abrumantes, como si tuvieran más integrantes cuando en realidad son sólo cuatro personas. A pesar de todo esto, Mono, es una banda bastante genérica, continúan teniendo esa habilidad para escribir canciones impresionantes, torciendo las guitarras y las cuerdas, las notas e interpolando ese sentimiento que parece hacernos flotar.

Requiem For Hell permanece siendo un álbum muy al estilo de Mono: No hay nada que sorprenda demasiado en este disco. “Death & Rebirth” es un tema clásico que incluye las cualidades más interesantes de Mono para hacerlo un clásico instantáneo de la banda. Mientras tanto, “Ely’s Heartbeat”, concluye un momento despuntante del sonido al que el cuarteto nipón ya nos tiene acostumbrados.

Y, sin embargo, Requiem For Hell simplemente funciona. A pesar de mantener esas tonalidades y colores clásicos, Mono continúa siendo una banda digna de escuchar y de brindarle atención. Tal vez la mayor virtud de Requiem For Hell sea que más allá de describir todo lo que se escucha y cómo, debe servir para describir lo que se siente al escucharlo, sobre todo al tratar de musicalizar la grandeza que exige caer dentro de los nueve círculos del infierno dantesco y salir de él, ileso.

EMMA RUTH RUNDLE – “MARKED BY DEATH”

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Baladas incendiarias y un lánguido llanto melódico es lo que caracteriza a Marked For Death, segundo LP de Emma Ruth Rundle dónde la multinstrumentista encuentra más y mejores formas para crear un acercamiento versátil a la manera en la que, normalmente, se fabrica la música. Similar a su disco debut, Some Heavy Ocean, Emma utiliza en Marked By Death una presencia transformadora que hace de cada canción un respiro significativo y  altamente adictivo.

Marked By Death podría describirse como una “herida fresca”. Este ofrece más emociones en la superficie de su sonido, lo que le ayuda a establecer un sentido de urgencia musical y de actitud, en comparación a trabajos anteriores de la intérprete. Esto, sin duda, expone al escucha a todo aquello que atormenta a Rundle: Muerte, tristeza y un sentimiento corrupto de mártir.

Hay momentos en Marked By Death dónde existe tal agonía auditiva que puede ser complejo encontrar la belleza en la manera en la que Emma escribe, pero incluso envuelta en las profundidades de su sufrimiento, Rundle encuentra elasticidad en su paleta creativa para describir la grandeza en la destrucción emocional, situación que le ha ayudado a engendrar ocho canciones que describen  el abrazo de la muerte que a todos nos acecha.

Marked By Death fue un álbum escrito en el desierto, lugar dónde la cantante se refugió en su soledad para capturar de manera precisa todas esas emociones que desprende su aura. Y a pesar de que sus canciones son bastante simples, la progresión de sus acordes dibujan melodías distintivas que denotan que cada nota, cada tesitura y cada tónica de cada canción han sido perfectamente planeadas. Son las estratificaciones musicales las que Rundle parece haber dominado y que permiten que su música tengan un golpe contundente al ser escuchadas.

En “Protection” canta “… I’am worthless in your arms…” justo antes de desatar una detonación de guitarras distorsionadas que hacen vacío en los oídos, después una pausa a la devastación y cambios en la textura que demuestran la capacidad de Rundle de hacer caso a su instinto musical. “Hand Of God” es una Rundle desnuda donde las guitarras y percusiones desmenuzan a la interprete mientras que la canción mantiene la capacidad de barrer a los oyentes con la calidez de sus notas.

Algo que caracteriza de manera muy loable a Marked By Death (y es algo a lo que Emma Ruth Rundle ya nos tiene acostumbrados) son las entregas vocales que únicamente logran que nos preguntemos cuanta cantidad y potencia de su voz está usando, todo esto acompañado de arreglos de cuerdas y una composición diferente.

En “Medusa” ella se desliza sobre la música que cuenta con un espíritu campirano mientras que en “Furious Angel” se transforma en un susurro incrustado en el tejido de la melodía.

Rundle tiene un talento innato para crear fuertes dinámicas que construyen un golpe directo al escucha. Si no fuera por estas, las canciones no se escucharían de la forma en la que se escuchan, y vaya, no son malas canciones, pero el hecho de la manera en la que Rundle interpreta y concibe la música le da una oportunidad de inventar una narrativa auditiva que sobresale en el mundo de las solitas femeninas.

Pero dónde realmente Rundle deja el corazón es en el tema que cierra Marked By Death: “Real Big Sky”. Una canción plagada del abrazo de la muerte que se vuelve una guitarra acústica que encarna la estructura de un cuerpo que está muriendo.  También, el tema, es el punto más alto y el más bajo de Marked By Death. Es íntima, es la oscuridad absoluta que nos rodea, pero también, tiene una belleza fascinante.

Así cierra Marked By Death. Más que como un álbum, como una referencia para dejar a la muerte como un mero pensamiento que nos afecte, pero que nos enseñe y nos de satisfacciones creativas y artísticas cómo las que Emma Ruth Rundle ha sabido “pintar” en este álbum.