RUSSIAN CIRCLES – “BLOOD YEAR”

Si hay algo que se pueda decir a cerca de Russian Circles es que la consistencia es una palabra que los describe a la perfección. Como banda en vivo o de estudio, funcionan como una unidad que actúa bajo precisión inhumana. Su estilo es contundente y su sonido “pesado” tiene un verdadero sentido y propósito; mientras que su volumen y concepto se fusionan en algo realmente provocador que siempre será conveniente experimentar de cerca.

Con esto como antecedente nos adentramos en Blood Year, el álbum más nuevo dentro de la discografía de Russian Circles, que suena exactamente como lo que esperas escuchar de la banda oriunda de Chicago. Si la banda te gusta, es muy probable que este álbum también, sin embargo, si nunca has estado expuesto a la epidemia que significa su música, te advertimos, que dejes que la fiebre recorra tu cuerpo y que tu flujo sanguíneo se infecte… No te arrepentirás.

Escribir música instrumental es una tarea compleja, ya que estás tratando de leer el significado de canciones que son inherentemente texturales. En ausencia de letras, es fácil mirar los detalles de la grabación de un disco para comprender mejor dónde estaban los músicos, tanto físicamente, emocionalmente e intelectualmente durante ese proceso creativo. Si bien a menudo eso es tonto, en el caso de Russian Circles, es algo muy natural y a través de ese proceso, la banda, logra construir un vínculo directo entre el pasado y el presente que los ha forjado.

Grabado por Kurt Ballou (Converge) en su estudio GodCity y el afamado Electrical Audio en Chicago, Blood Year reúne a la banda con el guitarrista convertido en productor que los llevó a nuevas alturas. En “Milano” y “Sinaia”, Ballou comprende la manera en la que Mike Sullivan, a través de reminiscencias de black metal, se acerco a la exploración lírica y melódica de los dos temas donde no pretende golpear al escucha, sino proyectar una expresión de su propia introspección a través de su guitarra. Es notorio a través de ese proceso que Blood Year es una plataforma con la que la banda se aleja de sus comienzos empapados de math rock para encontrar una forma diferente de crear música nueva sin entrar en territorios predecibles.

Una de las características más memorables de Blood Year, como de todos los álbumes de Russian Cirles, es la sensación expansiva y exuberante que mantiene. Con cada pista fluyendo sin problemas a la siguiente, el álbum se siente más matizado y directo. También, es más pesado que cualquier otro, logrando que cada tema que lo constituye nos lleve al límite del sonido, de las sensaciones y de las imágenes montadas en las capas de atmósferas que este trío es capaz de construir.

Un ejemplo es la calma que plantea “Hunter Moon”, Dave Turncrantz abre la primera pista de manera magistral, en silencio y dibujando un luto sonoro, para que inmediatamente después “Arluck” rompa el esquema rítmico para poder desdibujar un entendimiento lógico y dar más complejidad al sonido del disco. Brian Cook adorna el tema con un sutil bajo, casi erótico y al final Mike Sullivan hace de sus guitarras un bucle melódico casi hipnótico.

Las capas se acumulan, se sobreponen y se amalgaman, Mike Sullivan persiste con acordes discordantes que brevemente se erigen sobre el resto de los instrumentos y a partir de eso, Russian Circles, no vuelve a mirar atrás. “Kohokia” se vuelve un tema intrigante, cambiante y mutante mientras que las cualidades aturdidoras de “Ghost On High” parecen desarrollarse hacia algo oscuro y sentimental, pero la transición a “Sinaia” hacen del viaje algo turbulento y que se puede saborear.

Blood Year logra que uno tenga experiencias profundas con la música, lo que hace que el escuchar este álbum sea emocionante. Los tracks fluyen uno con el otro, apoyados por las guitarras disonantes y la esencia que la banda capturo a lo largo y ancho del álbum. Si bien no es algo que no se haya escuchado antes, Russian Circles entrega con mucha gracia y una maravillosa producción un disco que industrializa las emociones y capitaliza la obsesiva calidad con la que la banda diseña cada uno de sus álbumes.

TOUNDRA – “VORTEX”

Toundra es uno de los actos más interesantes del post-rock europeo y justo acaban de alcanzar el hito de su primera década de existencia y lo celebran con lo que debe ser su trabajo más fuerte hasta la fecha en una avalancha de glotonería instrumental: Vortex. Un álbum que en su complejidad recae su simpleza logrando de esta manera abrir una puerta a lo intrincado del post-rock dibujando un viaje lleno de emociones, intenciones y colores que inundan los sentidos.

En este quinto álbum – que curiosamente ahora si lleva un título en vez de un número que corresponde al orden de disco en el que van – nos encontramos con un sonido bien edificado, construido y elaborado que resalta por su destreza instrumental, su flexiones sonoras; pero sobretodo, por su impresionante regreso.

Los desafíos de escribir y grabar un álbum sin voces se refleja en una producción de gran magnitud. Un trabajo que debe destacar por lo visual que debe ser el sonido y dar los respiros necesarios en cada episodio. Vortex es un álbum que no sólo incluye esas características en sus bocetos, si no que lo proyecta en el producto final para ofrecer una expectativa diferente que se complementa con el contenido de cada canción.

“Cobra”, primer sencillo de este álbum, es un tema que va saltando poco a poco, creciendo y volviéndose más intrincado con el transitar de la batería mientras que las guitarras trazan una potente dirección hacia la preocupación social que tienen a cerca de la guerra y como afecta; de manera positiva o negativa, a todos los países que la sufren.

Mientras tanto, “Mojave” es una pista que se transforma en un taladro estridente de guitarras y que es la pieza central de Vortex al tener una duración de 11 minutos. Su vasta extensión ofrece una extraña sensación al complementarse con el tapping de una maquina de escribir que impregna su sonido, mientras que los arreglos rítmicos y electrónicos otorgan un balanceo que se percibe con el crescendo que la canción ostenta. El tema es un claro ejemplo de la evolución de Toundra al incluir poquísimos elementos electrónicos muy-a-la 65DaysOfStatic pero que pertinentemente le dan un elemento extra para continuar desarrollando su madurez como banda.

La estrella de oro para el mejor riff de Vortex está reservada para “Tuareg”, tema que desata un paso omnipotente al que no le falta nada y que transita a través de reminiscencias que nos recuerdan a Russian Circles y Long Distance Calling pero con su propia personalidad que responde de manera atmosférica.

El tema final del disco es “Cruce Oeste”, una canción meditabunda y amenazante. Esos adjetivos que caracterizan la música de Toundra, y que hacen a Vortex un disco apasionante, logran que el melodrama y la pasión se enaltezcan en todo el trayecto del disco. Esas dos palabras describen satisfactoriamente lo que este álbum resume en sus 43 minutos de duración pero que parecen ser momentos eternos de un viaje, que mientras más cerca se está del final, más cerca del descubrimiento de algo totalmente desconocido se está para relajarnos, entendernos y descubrirnos al mismo tiempo que descubrimos a Toundra una vez más.

RUSSIAN CIRCLES – “GUIDANCE”

Russian Circles es una de las primeras bandas de post-metal, que a la fecha, sigue dominando la escena del este. En un principio, la banda era más conocida por su potencia, los elementos en su sonido y la emoción cruda que comunicaba a través de ese rock instrumental que sólo ellos saben hacer. Guidance parece ser una paso hacia una nueva dirección. Si, la emoción persiste, al igual que el idioma que la banda ha usado desde el primer momento, pero en este nuevo álbum parece que exploran un lado más suave de sus sonido.

Guidance está lleno de momentos potentes, mostrando el poder que perfila esta producción. El uso de elementos electrónicos se ha hecho notorio en este disco y hace crecer el sonido que nos recuerda exactamente por qué esta banda es una de las más grandes. Y sí, hay momentos arrogante, pero después de todo, ellos mismos son los que hay puesto la estafeta muy alta y sólo ellos han logrado rebasarla, logrando que su sonido tradicional se expanda y los motive a ir más allá.

Al igual que con cualquier álbum de Russian Circles, el atractivo reside en la enorme fuerza de su composición. Guidance nos presenta más de un par de riffs potentes pero con un sentimiento de introspección que hace que su sonido se vuelva más equilibrado para definir su música de manera agradable. Sin embargo, la banda se toma el tiempo para retroceder, para darse un respiro y regresar al back-to-basics y enseñarnos que hay un montón de direcciones en las que una banda puede ir.

De lo más notorio a nivel creativo y personal es que Russian Circles no pretende ser algo que no son, si no que se ubica en el lugar que le corresponde haciendo alusión al talento y a la forma en la que edifican su arte. En Guidance, todo está perfectamente calibrado: Podemos ver todas las partes en movimiento, todos los sonidos fluyendo haciendo que nos enamoremos de la banda sin importar el crescendo que decidan utilizar… Y esto, simplemente, es indicativo de la grandeza de los de Chicago que vibran y se pierden a través de su música.

Guidance es un álbum en el que la banda sigue impresionando. A pesar de ser una banda dura de escuchar hay mucho que desmenuzar aquí y el producto final esta maravillosamente pulido gracias a una banda que a pesar de haber perdido la espontaneidad de su juventud, su madurez les ha permitido convertirse en algo más grande.

“VOREL” by RUSSIAN CIRCLES

¿Qué sucede cuando un trío de personajes entregados a la música, al interpretar su arte, se escuchan cómo si fueran una tormenta, una estampida, una avalancha o todas la anteriores juntas? De todo el repertorio de actos musicales que existen en la actualidad, sólo un puñado de elegidos puede darse el lujo de interpretar música para oídos mortales, que sólo habría de escucharse y crearse en el Olimpo o en el Valhala. Y sin duda, de entre estos elegidos nos encontramos a Russian Circles que, una vez más, enmarañan sus artífices artísticos para darnos una muestra de lo que su más reciente producción, Guidance, será.

De la mano de Kurt Ballou guitarrista de Converge y además un gran productor; Mike Sullivan (guitarra), Dave Turncrantz (Batería) y Brian Cook (Bajo) han sido capaces de capturar en “Vorel”, primer track que se desprende de Guidance, su próximo álbum, un amplia paleta de tonos y motivos emocionales en un viaje de cohesión a través de las esquinas tumultuosas de la existencia humana.

“Vorel” es una canción que transporta a quién se expone a ella a varios estados de ánimo, de mente, de emoción. En esta canción convergen los esfuerzos musicales más ásperos de la fuerza que tiene el trío viajando por reminiscencias del post-rock, post-metal, avant garde y demás géneros que la banda se atreve a incluir en sus composiciones para seguir buscando, encontrando y descubriendo nuevos sonidos.

Si esto es lo primero a lo que nos expone Russian Circles con “Vorel”, estamos seguros que Guidance será una experiencia musical que trascienda más allá de los oídos.

BLOODIEST – “BLOODIEST”

Bloodiest es una banda fascinantemente profunda. Una característica que en algunas agrupaciones, de entrada, no resaltaría ni se encontraría, pero en este grupo brilla por su presencia y hace de la complejidad del grupo, un rompecabezas que resulta ser muy interesante de deconstruir. Este álbum representa la fusión de elementos que ni divinamente estuvieron hechos para amalgamarse. Todo esto representa una absurda belleza que se vuelve una manera inteligente de acercase a la música que Bloodiest logra diseñar astutamente, provocando que cualquiera que se vea expuesto a su sonido; lo analice, lo cuestione y lo intente comprender.

Polimerizaciones que se encuentran entre Cult Of Luna y Helmet hacen de este primer LP de Bloodiest una compilación de sonidos cerebrales, pesados y primitivos. Y esto es el tipo de cosa que resuena en múltiples niveles musicales de la banda, utilizando la fuerza de su composición para llevar del oído al escucha, encerrarlo dentro de su creación y nunca dejarlo ir.

El LP homónimo de Bloodiest se complementa con el estilo vocal de Bruce Lamont, un tipo que viaja entre sonidos guturales y vocalizaciones melódicas para darle más potencia y profundidad a la música. Esto se hace parte de otros elementos del sonido que profesa la banda, logrando que como grupo tengan un ímpetu más complejo.

Considerando que esta banda se forma de miembros de grupos como Russian Circles, Corrections House y Sterling no es novedad que el estilo que manejan sea de grueso calibre, sin dejar de lado que es música inteligente que te obliga a analizar cada capa que forma parte de este conglomerado de sonidos que destacan por su elaborada constitución. Caos primitivo y locura, adjetivos que a algunos, nos han hecho mirar el lado más extraño del metal. “He Is Disease” es un tema impresionante, provoca que uno se cuestione su sanidad mental y abiertamente mire a la nada buscando las respuestas de lo incuestionable.

Turbio e imperdonable es el balance del arte acústico que se suma a los potentes riffs inspirados en el sentimiento de desesperación que esta banda es capaz de comunicar a niveles muy profundos. Esto muestra una realidad sonora que a momentos se torna incomoda pero existente.

Bloodiest presenta cambios de acordes demenciales, sonidos abismales y letanías lúgubres que aparecen en cada nota de este álbum, haciendo que afirmemos que la cara de la obscuridad, para bien o para mal, es más tenebrosa de lo que pensábamos.

CHELSEA WOLFE – “ABYSS”

Si el dolor es belleza, entonces el abismo es el cénit de esta, la cúspide de la belleza idealizada que se observa al caer a través del abismo: Un agujero de ideas y sentimientos que se transforma en un vórtice que lo consume todo y que lo hunde en una enredadera de sonidos que se inundan de una variedad de estilos sonoros que resaltan la estructura de Abyss, la más reciente producción de Chelsea Wolfe.

Wolfe es una creatura bizarra, con una dirección musical que nos adentra en las profundidades de la intersección entre el doom metal y sonidos electrónicos experimentales que influencian la manera en la que la artista construye su música. Sludge, stoner, trip hop, folk y más son algunos de los estilos que brindan una textura única que se puede saborear en este material discográfico que no dista de ser bizarro, pero al mismo tiempo, melódico y, por momentos, muy “luminoso”.

Pain Is Beauty (2013) hablaba del amor idílico y Abyss habla de vivir en el abismo, en el olvido o en limbo. No hay arriba ni abajo, no hay emociones ni nada realmente fincado al realismo de la vida terrenal, sobretodo por que durante el proceso de grabación de este LP, la intérprete, sufrió de parálisis nocturnas; ese fenómeno que impide moverse, hablar o reaccionar, una experiencia que tal vez se asemeje a estar flotando en la inmensidad de un abismo letárgico que provoca la introspección.

El primer sencillo que se desprende de esta producción es “Carrion Flowers”, un engendro oscuro y anormal que se ve adornado por la dulzura de la voz de Chelsea Wolfe pero que tiene cambios erráticos en su rítmica y melodía; haciendo de esta canción, una oda a la desesperación y a la angustia. A este track le sigue “Iron Moon”, un tema que esta cargado de un stoner metal que casi llega a southern rock sin dejar de lado esos sonidos drone y folk que han caracterizado a la cantante a lo largo de su carrera. En este tema encontramos una influencia cercana al sonido de Neurosis, cosa que es lógica si consideramos que integrantes de la banda Russian Circles participaron en la grabación y producción de este álbum.

“Maw” es un tema que viene a cortar de manera tajante la dirección abismal que lleva Abyss en su ADN, con sonidos inquietantes, esta canción nos recuerda a esa forma en la que Chelsea Wolfe se expresaba en su anterior producción, Pain Is Beauty (2013), sin embargo esto no le quita el mérito a esta placa que logra ser la catarsis de una intérprete que se caracteriza por su peculiar creatividad. Pero una de las canciones que más destacan de Abyss es “Grey Days”, un tema que cuenta con una prodigiosa instrumentación y vocalización que funge como piedra angular del álbum, delimitando las propias fronteras que la intérprete se había marcado para darle cohesión y coherencia al color que el álbum lleva en toda su estructura.

No cabe duda que Chelsea Wolfe procura reinventarse en cada producción, y aunque Abyss no es mejor que Pain Is Beauty (2013), este logra destacarse por la madurez y la manera diferente en la que la cantante, ya de manera extraña, se acercaba a la manufactura de su música.