GODSMACK – “WHEN LEGENDS RISE”

Palabras como “renacimiento” y “experimentación” se han lanzado durante la promoción del nuevo disco de Godsmack, When Legends Rise. Palabras que, comúnmente, no son del todo bien recibidas dentro del mundo de la música dura. Por ello, la banda a través de su nuevo disco, invita a tomar un respiro colectivo y prepararse para un viaje musical que abraza la música que la banda ha hecho en el pasado, pero que se pinta con nuevos bríos para dar uno de los discos más completos que la banda ha entregado en años.

El primer sencillo que se desprende de When Legends Rise, “Bulletproof”, trae más sintetizadores, con versos que se deslizan a lo largo de un ambiente más accesible que va de menos a más y que cimbrará al fanático veterano con potentes riffs que proyectan el trabajo que la banda ha entregado a lo largo de los años, y este álbum, tiene mucho de eso. Hay temas como “Take It To The Edge”, lleno de adrenalina mientras que “Say My Name” es un verdadero himno que podría haberse incluido en la banda sonora de Sons Of Anarchy mientras que “Eye Of The Storm” esta lleno de furia electrificada y que seguramente saciara la sed de los fanáticos de antaño de los originarios de Massachusetts.

Pero no conformes con el status quo, Godsmack se abrió a la colaboración con escritores externos para tener una mejor idea de cómo otros podrían ver un camino musical nuevo y evolucionado sin dejar de lado la historia que los precede. Y en When Legends Rise denota mucho la madurez con la que la banda ha permeado su nuevo álbum y la forma en la que se han expandido junto a la manera en la que han explorado nuevas formas de hacer discos.

Y en donde se nota de mayor manera estos pasos es en “Under Your Scars”, una canción que comienza con un tenue piano y que puede ser lo más cercano a una power ballad que se pueda encontrar en el catálogo de Godsmack. Esta pieza muestra más vulnerabilidad de lo habitual tanto en la letra como en la música, y al mismo tiempo, es una de las canciones más complejas de When Legends Rise al incluir una melodía suave donde la guitarra y los ritmos duros son emparejados con una sección de cuerdas que la hacen diferente e interesante.

When Legends Rise encuentra a un Godsmack en un momento decisivo en el que establece un gran sonido pero con el deseo de no caer en una trampa al repetirse a sí mismos una y otra vez. Al haberse expandido logran eso, una estabilidad que agranda su carrera de manera creativa y musical; así, se notan preparados para hacer sentir su presencia no solo sobre el escenario, pero también, en el Partenón de las leyendas del rock.

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A PERFECT CIRCLE – “EAT THE ELEPHANT”

En el mundo creativo que engloba tantas cosas cómo el cine, los libros, los cómics, las pinturas y la música – por solo mencionar algunas disciplinas – frecuentemente nos encontramos con la dualidad que representa el que un artista o creativo construya una obra nueva en la que los críticos, los seguidores o los conocedores más puristas fungirán como jueces al evaluar su trabajo de manera subjetiva u objetiva. Esto siempre pasa y seguirá pasando. Siempre habrá personajes que alaben los trabajos menos creativos u otros que demeritarán verdaderas obras maestras que pueden cambiar la percepción de las cosas. Frecuentemente esto sucede con artistas que se toman su tiempo para labrar su obra a su gusto y esto, regularmente, le otorga a un proyecto una madurez muy particular que da como resultado un cúmulo de; en este caso, canciones que enaltecen las emociones, las cimbran y narcotizan al oído logrando que el sonido se plasme de forma física o las imágenes se puedan saborear.

De esta manera A Perfect Circle intenta entregarnos más motivos y distintas direcciones creativas para que entendamos un mensaje que, para algunos, puede resultar ambiguo o confuso mientras que para otros, Maynard J. Keenan reafirma su calidad como Dios-Artista al tener las agallas de hacer las cosas a su manera, por y para el.

En Eat The Elephant, Maynard James Keenan, junto a Billy Howerdel, James Iha, Matt McJunkins y Jeff Friedl intenta reflejar sus opiniones ante una realidad que dejó de ser la que percibía hace 14 años; y si bien para el líder de la banda puede ser un momento indicado para criticar la gratificación instantánea, la falta de comunicación directa con otras personas o al bufón que su país tiene como presidente, entonces esperamos que sea de una manera que rinda tributo a la historia que, principalmente Keenan, se ha encargado de forjar.

“Eat The Elepanth” es la canción que abre el álbum destacando la voz de Maynard junto a un piano. Esta es la primera capa musical que resalta en el tema. Una sutileza que el vocalista ya demostró en 1996 al hacer un dueto con Tori Amos y cantar a lado de la pianista uno de sus más emblemáticos temas. En “Eat The Elephant” la sutileza regresa y hace que la canción fluya suavemente con una sinapsis sonora que hipnotiza pero que de pronto parece forzada y nos enreda en circunstancias que nos evocan al sonido de Mazzy Star.

A continuación nos tropezamos con “Disillusioned”. En este momento musical notamos la deconstrucción musical que Keenan ha hecho con las melodías de Howerdel ; dejando de lado todo aspecto del rock, del metal y del rock alternativo sacrificando no sólo un aspecto muy relevante de la personalidad de la banda, si no a uno de los músicos más característicos del rock como lo es James Iha, utilizándolo solamente por su capacidad técnica e interpretativa, sin embargo el resultado no es del todo malo… ni bueno.

En este álbum no hay equivalencias a tracks clásicos de la banda como “The Hollow” o “Weak & Powerless”. El mensaje ha cambiado, ¿ha evolucionado?, por momentos se extraña esa oscuridad que permeaba a Mer de Noms (2000) o la conexión directa a Tool que canciones como “Pet” o “The Outsider” ostentaban en su ADN. Mientras canciones como “Hourglass” tienen un sonido muy drone y que parece totalmente alejado y atípico de los gustos de la agrupación, temas como “The Doomed” insinúa pesadez pero parece ser sólo un crescendo de 4 minutos y 42 segundos que cuando al fin parece va a explotar en una sección potente llena de riffs y embates de batería, esta se acaba.

Luego nos topamos con un momento cinemático y diversamente visual en “So Long And Thanks for All The Fish”, que es un hint directo al título del tercer libro de la trilogía de The Hitchhiker’s Guide To The Galaxy escrita por el novelista británico Douglas Adams. Esta frase – que le da el título y parte de su temática a la canción – es el mensaje dejado por los delfines al huir de la tierra cuando estos se enteran que esta será destruida para dar paso a la construcción de una carretera intergaláctica. De manera irónica, la canción también funciona para rendir tributo a David Bowie, Gene Wilder, Carrie Fisher y Muhammad Ali en un tema que a pesar de sonar más pop que rock nos da a entender que Howerdel sigue siendo un talentoso escritor de canciones pegajosas en las que Maynard James Keenan sabe hacer un excelente trabajo vocal.

Pero no todo es ambigüedades, amargura o dulzor. Existe un balance y una respuesta directa a lo que A Perfect Circle representa y al momentum que dejó en pausa hace 14 años. “TalkTalk” es la canción que da continuidad a ese proyecto que se destacaba por la manera en la que creaba música a través de las mentes más creativas y poco comunes del rock alternativo. En esta canción, A Perfect Circle, ha sabido capitalizar la historia que le precede como banda y a los proyectos a los que cada uno de sus integrantes pertenecen. Todo en esta canción encaja; logrando que toda esa creatividad que ostenta la agrupación, se canalice y evolucione al llevarnos por un camino más interesante sin olvidar de dónde vienen.

Y ese recordatorio viene en forma de “By & Down By The River”, canción originalmente lanzada en 2013 y que fue una muestra de que la banda trabajaba en algo nuevo. En esta ocasión, a pesar de que la canción mantiene el core de lo que en realidad fue un demo, podemos notar un mayor trabajo y desarrollo en las capas que componen el track. De nueva cuenta un piano se mezcla con la voz de un Maynard realmente apasionado acompañando a esos riffs distorsionados, que en su momento, nos daban a entender que lo que se venía sería algo mejor de lo que, para muchos, esta siendo Eat The Elephant.

El resto de Eat The Elephant es un tanto o un poco olvidable o ridículamente electrónico a excepción de “Feathers”, la pieza más hermosa del álbum y que coexiste en un universo balanceado que “TalkTalk” se encargó anteriormente de crear. Esta canción captura más de la sensación que la banda trata de despertar a través de este álbum, solo que con más representación visual y acercándose a lo logrado en “TalkTalk”… Es más, si se escucha con cuidado, podemos encontrar puntos de convergencia con “The Grudge” (Tool, Lateralus, 2001).

Eat The Elephant es, muy probablemente, el álbum que no estabas esperando por 14 años. Es más, francamente, parece más un álbum de Puscifer que de A Perfect Circle, sin embargo teniendo en cuenta cuánto tiempo ha estado gestando, es notable que el álbum sea multifacético. Ciertamente los elementos más esperados de A Perfect Circle se han diluido in poco pero el énfasis de los estímulos clásicos de la banda, los revestimientos atmosféricos y el intelectualismo desgarrador, están ahí, escondidos en capas de ambigüedad y experimentación, y se pueden encontrar si saben cómo y dónde buscarlos.

WILL HAVEN – “MUERTE”

En lo más profundo de mi mente tengo a Will Haven archivada como una banda ruidosa, potente y en dónde convergen el hardcore, el sludge y muchas agallas. Sin embargo, una descripción tan incipiente como esa es obsoleta, considerando que el acto; originario de Sacramento, California, elimina las cualidades menos deseadas de los subgéneros antes mencionados para crear una fusión extremadamente satisfactoria.

Debido a la mezcla de subgéneros que Will Haven representa, y que a momentos parecen tan opuestos, la banda nunca se estableció como un acto meramente dentro del mainstream, por el contrario, siempre se mantuvo como una banda que era sólo para aquellos “conocedores” que sabían cómo desenterrar las joyas más míticas del sonido Californiano de mediados de los 90s. Sin embargo, la producción musical de Will Haven se mantuvo consistente y con calidad hasta estos momentos en los que la banda nos entrega Muerte – su séptimo álbum – en dónde a pesar de seguir ostentando un sonido áspero y provocativo, también redujo lo obtuso de su sonido para conceder una producción más refinada.

El álbum abre con la siniestra introducción “Hewed With The Bran”, un tema sutil y que en su crescendo choca con la disonancia del hardcore avivado por la violencia del metal. La batería que comanda Mitch Wheeler se matiza con los gritos de Grady Awenell, que con astucia, turban los riffs de Jeff Irwin y Anthony Paganelli contrastándose con la métrica del bajo de Adrien Contreras.

Otras canciones como “Kinney”, “43” o “Unit K” se embarcan en un camino rítmico contundente y decidido. Estas dan más color a Muerte mientras que piezas como “The Son” y “Ladwig No.949” se mezclan con la estructura dinámica del disco, logrando que cada canción incluya una gran cantidad de energía que se capitaliza de manera notable.

La crítica más evidente a Muerte, es el hecho de que muchas de las canciones se mezclan entre si y no hay melodías que enreden al escucha. Si bien existe una variedad de secciones rítmicas, el rango tonal del álbum permanece relativamente dentro del mismo espectro al que Will Haven nos quiere acostumbrar en este disco. Para contrarrestarlo hay un par de colaboraciones que hacen que el estado de ánimo del disco sea más inquietante. Stephen Carpenter, guitarrista de Deftones, agrega algunos riffs en “El Sol”, tema que cierra el álbum; mientras que Mike Scheidt, guitarrista y vocalista de YOB, añade drama con su voz en “No Escape”, haciendo que el territorio del hardcore se vuelva ecléctico y mucho más interesante.

Otro componente importante que permite que estas canciones sobresalgan es el uso de sintetizadores atmosféricos y una alta carga de noize, casi todas las canciones en Muerte tienen in momento o visualización consistente de esto. Los tracks que más notablemente usan estos elementos son “Winds Of Change” y “Now In The Ashes” En ambas canciones no pasa más de un minuto cuando el paisaje se llena de una energía fantasmal que agrega una capa adicional al sonido de estas, dibujando un paisaje sonoro que se detalla con sonidos atmosféricos que parecen haber salido de una película.

Si comparamos Muerte con el trabajo anterior de la banda – Open The Mind Discomfort (2015) – no suena estilísticamente diferente. Sin embargo, los detalles más finos como el uso de la voz, la producción y el manejo de atmósferas hacen que este álbum sea el disco más importante de Will Haven hasta el momento.

“CAN’T DENY ME” by PEARL JAM


Cinco años después del agradable y complejo Lightning Bolt (2013), Pearl Jam vuelve con nuevo material a cuestas. Dado el clima político actual, no es de sorprender que Eddie Vedder haya estado afilando sus letras pero, en esta ocasión, su vehículo lírico lleno de desdén puede sorprendernos. “Can’t Deny Me” es un sencillo veloz, con toques “pop”, momentos que enganchan y un sonido de guitarra “limpio” para los estándares de Pearl Jam.

A pesar de ello, ninguna cantidad de indignación o ira puede cambiar el espíritu creador que los de Seattle invocaron en Lightning Bolt, sin embargo, su sonido sigue fiel a esos momentos que “Bushleaguer” invocaba. El protagonista de la canción podría ser humillado, despojado de su economía; y en esta narrativa, la voz de Vedder sirve como vehículo para hacer entender que muy a pesar de los que ignoran a la clase trabajadora, estos no pueden negarlos o su existencia o su preponderancia en un sistema que, día con día, se resquebraja más.

El impacto de “Can’t Deny Me” viene con el bombardeo directo de riffs y ritmos que hacen del tema un aullido que, inherentemente, parece de principio un completo desastre. Pero ya que uno se enfoca en su sonido, en cómo transita y en cómo comienza y termina, encontramos un estribillo estruendoso y un puente absolutamente fantástico que le dan magia a un conjunto irregular de elementos que entregan muchísima coherencia a la hora de comprender el track, que va mejorando gracias a esos múltiples giros que lo hacen ser más rimbombante.

Al final, lo que al principio parecería ser demasiado de muy poco, rápidamente se convierte en un grito de guerra rebelde e hiperactivo. “Can’t Deny Me” es una exhibición visceral y directa que engloba el sentimiento generalizado de repudio hacia un líder escueto por parte de una población diezmada por la incompetencia de este, y Pearl Jam lo resume de maravillosa manera.

“BULLETPROOF” by GODSMACK


Cuatro años después de 1000hp (2014), los bostonianos de Godsmack están por lanzar el próximo 27 de Abril When Legends Rise, álbum que marca el regreso del cuarteto de hard rock y que por 20 años ha logrado hacerse de un nombre dentro de la escena del rock duro, permitiéndoles alternar con bandas como Metallica o Judas Priest.

De esta próxima producción se desprende “Bulletproof”, primer sencillo con el que Godsmack pretende mostrar algo del nuevo sonido con el que When Legends Rise vendrá cargado.

La canción, en gran medida, es un clásico de Godsmack. Guitarras potentes, riffs sencillos e interludios que hacen que la voz de Sully Erna se mezcle con las capas melódicas de un corte; que si bien no es áspero o demasiado blando, es un balance particular entre el pasado de la banda y su actualidad que promete poner a más de uno a hacer headbangging.

En “Bulletproof” se nota una evolución en las letras. Sully logra abrir un poco más el abanico de oportunidades que tiene al escribir sus letras, y sobretodo, al experimentar con diferentes tipos y estilos de música; encontrándo la manera perfecta de introducir un sonido más maduro, fresco y diferente al ADN de Godsmack.

Mientras que Sully Erna hace su parte, Tony Rombola complementa una letra directa con acordes de guitarra que hacen que el tema fluya como comúnmente cada canción de Godsmack hace. Mientras tanto, Robbie Merrill emula su bajo con la batería de Shannon Larkin, creando una canción que engloba la nueva (y la vieja) etapa de Godsmack.

“Bulletproof”, para los más acérrimos fans de la banda, seguramente sonara como un tema que se aleja totalmente de la esencia de Godsmack. Seguro le encontrarán un aspecto más “comercial” y un sonido más digerible. A pesar de ello, la banda ha asegurado que su séptimo álbum, tendrá un sonido balanceado entre sonidos más digeribles y otros más duros, llenando las expectativas del fanbase más aguerrido de la banda y de igual forma las de nuevos seguidores.

When Legends Rise será lanzado el próximo 27 de Abril y comenzará un nuevo capítulo dentro de la historia de Godsmack, banda que intentará reencontrarse y reivindicarse a través del sonido que ya podemos percibir a través de su nueva canción, “Bulletproof”.

TURNSTILE – “TIME & SPACE”

Cuando hablamos de hardcore, Turnstile se ha convertido en la comidilla de toda plática a cerca del género en la actualidad. Con lazos directos con pesos pesados del género como Trapped Under Ice, que es el proyecto alterno de Brendan Yates, la banda ciertamente tiene ese pedigrí de estar haciendo uno de los mejores trabajos dentro de la escena. Con Time & Space, su más reciente álbum, la banda originaria de Maryland emula un sonido directamente de los 90, añadiéndole complejidad, variedad, melodía y sobretodo experimentación. A menudo descrito como el hijo bastardo de Rage Against The Machine, y que a veces suena a Snapcase, Turnstile mezcla esas voces aguardientosas con un enfoque instrumental que ha hecho que la banda doble y cruce los límites del hardcore, produciendo uno de los estilos más distintivos y únicos de los últimos años.

Para aquellos que temen que tal experimentación y diversidad puedan haber contaminado el sonido volátil de Turnstile, no teman: Time & Space contiene una buena cantidad de embates rítmicos y potentes. Desde el arrebato frenético de “Big Smile”, hasta el estremecedor riff de“I Dont Wanna Be Blind”, Turnstile dibuja un montón de momentos energéticos y llenos de adrenalina a lo largo del tracklist. Canciones como “Moon”, con la colaboración de Tina Halliday de Sheer Mag, respaldan las melodías vocales lisas y suaves que contiene el álbum, demostrando la habilidad de Turnstile no únicamente de convertir su sonido en una masa de agresión retorcida, pero también de crear melodías pegadizas que se asemejan un poco a Fugazi. Estos interludios armónicos en el transcurso de Time & Space provocan que este disco sea diferente y sobresalga. Desde la inquietante introducción a “I Do Not Wana Be Blind”, hasta la tensión y la inclinación melódica de “Cannot Get Away”, podemos percibir la variedad de sonidos presentes que se mantienen dentro del maravilloso sonido característico de Turnsitle logrando que la creatividad musical de la banda no canse y se perciba como una variación, o inclusive, una reinvención de sí mismos.

La segunda mitad del álbum continúa con los puntos fuertes del disco. “Come Back For More” proporciona una ráfaga desenfrenada de energía antes de acercarse demasiado al final manteniendo la progresión del disco. “Right To Be” presenta probablemente el mejor riff de todo el disco, respaldado con una cadencia en la batería que es constante, alegre y que combina su sonido groove con su dinamismo y lo hace una canción articulada y elocuente.

Para Turnstile, Time & Space representa una diferencia entre el hardcore de antaño y el moderno. El álbum se presenta como un estandarte que se aleja de los purismos y la banda se permite el acercamiento a otros géneros para incluirlos en su repertorio de coraza dura. “Bomb” y “Disco”, que podrían sonar a música de elevador distorsionada, son el resultado de empujar sus propios límites y cruzar sus fronteras para crear interludios deliciosamente suaves en que se transforman en una colisión fúrica entre el sonidos más old school del hardcore y sonidos que jamás podrían haber orbitado alrededor del género.

Lo que es más notable es que Time & Space es un parte aguas de la banda para desviarse de su sonido original hacia un éxito creativo que les permite usar una paleta de sonidos y colores totalmente diferente a lo usual, manteniendo la pesadez e intensidad, mientras perfeccionan los intentos de incorporar melodías más maduras dentro del estilo de una banda que busca hacer el hardcore más accesible sin poner en riesgo la integridad de ellos mismos.

Si son fans de las épocas de Nonstop Feeling (2016) o Pressure To Succeed (2011), encontrarán en Time & Space “algo” que cualquier amante del quinteto ama de la banda y si el hardcore nunca fue un género al que te hayas querido arriesgar, prueba este álbum, te darás cuenta que se mantiene fiel a su estilo mientras fusiona tantos géneros que creías era imposible de mezclar. Turnstile, con Time & Space, ha creado un álbum increíblemente fuerte, instantáneamente accesible para cualquiera e infecciosamente pegajoso.