MAXIMILIAN HECKER – SPELLBOUD SCENES OF MY CURE

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Cuando alguien describe su música como “himnos pop a la melancolía” sabes que algo esta haciendo bien y sin duda, Maximilian Hecker, en Spellbound Scenes Of My Cure, su octavo álbum, lo describe de manera fantástica en cada uno de sus tracks… Desde su debut con Infinite Love Songs (2001), el originario de Alemania ha sabido madurar en sus sonido pero sin quitarle ese ímpetu melancólico y radiante que escenifica en cada una de las imágenes que son sus canciones.

Con Spellbound Scenes Of My Cure, Maximilian Hecker habla, a través de cada uno de los tracks del disco, de una ciudad diferente en la que ha estado. Beijing, Tokio, Taipei, Hong Kong y Nueva York, son algunas de estas ciudades que él, en sus palabras, le han servido para buscar momentos complejos llenos de inspiración mágica para retratar con sonidos pop, las delicadas formas de la esencia de cada una de estos lugares.

El glamur, el sexo y el amor se notan en la estructura del álbum, “Gangman Misery” es un tema cargado de nostalgia, neblina y un perfume sutil que aparece en sus notas, mientras que “Kastrup” lo lleva a los parajes de esa ciudad de Dinamarca que le trae salvación y liberación dentro del viaje espiritual que le ha significado Spellbound Scenes Of My Cure.

A través de esta placa, Maximilian Hecker, se libera de todos esos fantasmas del pasado que lo han atormentado, de ese odio reflejado en los ojos de sus semejantes y gracias a ese sutil sonido dream pop y shoegaze, el cantautor cambia los esquemas sociales de sus propios lastres para crear un álbum mágico y etéreo que enaltece las condiciones más humanas que pueden existir en el corazón.

LARVA – “MÁQUINA MISÁNTROPA MAGNÍFICA”

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Con los sentimientos rotos y el temple por los suelos, el acto de shock-metal Larva regresa con Máquina Misántropa Magnífica, un álbum que es un conglomerado de ira, perversión y sobre todo mucha realidad… De esa que se vive todos los días en una urbe que nos come vivos y promete destruirnos lentamente.

Larva es una de esas pocas bandas que ha sabido sobrevivir a los cambios radicales dentro del metal en México. Es una banda que ha aprendido a adaptarse a la cambiante escena a la que se acoplan otras bandas más por moda que por honestidad creativa. Si bien, Larva es una banda que no a todos encante, es una de esas bandas frontales, contestatarias y que incomodan… Con eso, tienen la mitad del camino recorrido en una escena que no da y quita, y que gracias a bandas como esta, sigue existiendo.

En Máquina Misántropa Magnífica, Peech, Baliz Jesucristo y Yoab se dieron a la tarea de vomitar cada uno de esos sentimientos oscuros para hacerlos luz sobre partituras de vida, esas que describen los momentos más atípicos que nos hacen sonreír o llorar. Un Peech más enojado y rencoroso regresa, más áspero y resentido, dejando ese sonido melódico que supo entregar en El Día De La Peste (2012) para, en Máquina Misántropa Magnífica, transformarse en esa bestia que lo consume todo. “Odio Todo” es ejemplo de lo que este álbum entrega, un énfasis negativo que sirve de catarsis para cualquiera y de paso se adorna con la presencia de Erk Aicrag; vocalista de Hocico, dándole un toque más agresivo e impactante a este track.

Después de un camino áspero y ríspido al escuchar “Ustedes Dos” y “H.O.P.E”; llegamos a “Superhéroe”, un quiebre sonoro y emocional en el que toda la estructura musical de la canción vuelve a esas raíces melódicas de la banda, dando un respiro de toda esa agresividad y busca esa melancolía que cura, a medias, las heridas más profundas.

A simple vista, Máquina Misántropa Magnífica, puede percibirse como un álbum, provocador, incomodo y poderoso; pero en realidad, es un álbum mucho más personal en el que la banda encontró momentos de fragilidad, de debilidad y los supo utilizar para crear una increíble placa que se destaca por su sonido y su producción casera que no le pide nada a ninguna banda con enorme presupuesto.

“Regreso Derrotado” es otro de esos temas clave dentro de Máquina Misántropa Magnífica, en esta canción no sólo converge todo lo que Larva a aprendido a través de su larga carrera, también es apadrinada por Rick Loera, voz en Legions Of Etheria, lo que le da un toque diferente que la hace resaltar dentro del álbum.

Finalmente el disco cierra con “La Razón de Lo Que Soy”, un himno que sirve para cerrar ciclos, una canción que duele, que cala y que edifica las emociones más frágiles, esas que a momentos escondemos detrás del dolor y del enojo para; a ojos de todos, parecer fuertes y soberbios cuando en realidad el mundo a nuestro alrededor poco a poco se desmorona.

Máquina Misántropa Magnífica… La epítome de Larva.

ERASE ERRATA – “LOST WEEKEND”

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Tuvieron que pasar 9 años para que Erase Errata regresara con un nuevo LP en el que reescribe la manera en la que el Riot Grrrl debe sonar y debe agredir. En Lost Weekend, el trio originario de San Francisco, California, ha vuelto a rugirle a la vida con composiciones más complejas y una producción que suena a esa que sea hacía a mediados de los 90s.

Con Lost Weekend, Erase Errata ha encontrado un enriquecimiento personal y musical que se nota a lo largo del álbum. Hay momentos realmente estridentes que se acompañan de una estructura musical que hace énfasis a la naturaleza del punk y el post-punk, sin embargo, la banda logra acercarse más a sus raíces experimentales que les valieron ayudar a cambiar la escena del rock en aquella época.

Sorprendentemente y con un gran resultado, Lost Weekend fue grabado durante tres días de entrega a la música, ya que las integrantes de la banda, compuesta por Jenny Hoyston, Bianca Sparta y Ellie Erickson, no viven cerca una de la otra.

El álbum, en general, tiene un sonido brillante que a momentos se inunda de distorsiones y golpes funk que le dan un sabor especial a esta producción. Retablos de jazz y de grunge son fáciles de percibir en su estructura, dando como resultado un conglomerado de sonidos que demuestran que la banda no sólo ha mejorado, si no también, madurado.

“My Life In Shadows” tiene un drive interesante y su línea de bajo se acerca a las raíces negras del R&B, mientras que la guitarra le da un tempo al track que podría bien haber sido creado en los 60s. “Watch Your Language” mantiene distorsiones saturadas de fuzz que le dan una característica casi stoner a este esfuerzo reinterpretativo del Riot Grrrl.

Así, con esta cuarta producción, Erase Errata ha aprendido a medir su calidad musical y sobretodo a plantearse fronteras personales que simbolizan un reto creativo que las ha empujado a reinventar su sonido sin perder su esencia.

DOLORES (DE HUEVOS)

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Si a Groucho Marx, Henry Rollins le hubiera propinado una golpiza, seguramente tocaría en Dolores (De Huevos). Este esfuerzo musical originario del Distrito Federal, reúne los esfuerzos de Manolo Ávila, Conrado del Campo, Christian Spuma y Manuel Rubio en un conglomerado de letras que parecen haber salido de un poemario de Chuck Phalaniuk y ritmos que viajan entre el hardcore, el punk y el post-hardcore.

Cada uno de los integrantes ha tenido estancia (o tiene) en otras bandas, sin embargo en Dolores (De Huevos), logran quitarse la camiseta de sus otras vertientes musicales para entregar un sonido que viene desde la médula, es agresivo, potente y sobretodo contestatario.

Ya lo dijo en algún momento Manolo Ávila al que se le conoce por haber formado parte de Allison – “Ahora toco a mi manera” – y vaya que su manera de tocar y crear música en la actualidad es impresionante. Él y compañía entregan en cada presentación dinamismo, energía, agresividad y una ejecución que pocas bandas en la actualidad tienen… Digámoslo así, ellos tienen calidad y cantidad… Y muchos huevos.

Su primera producción, El sueño de la razón produce monstros (2013), tal vez llamado así por el grabado del mismo nombre del autor Francisco de Goya, mezcla un sonido visceral y por momentos romántico; cómo si Johnny Cash hiciera un dueto con Sid Vicious. Al mismo tiempo, en este EP, encontramos sonidos muy clásicos del punk de la vieja guardia. Por ahí se esconde Black Flag o Bad Brains, pero reinterpretados desde una perspectiva algo nacionalista, cómica, teatral y muy enérgica.

En La Naturaleza Incoherente del Ser (2014), su segunda producción, Dolores (de Huevos) se acerca a un sonido más complejo y todavía mejor producido. Mientras se recorren los tracks del álbum, se nota una mutación del punk al post-hardcore y es notorio que este cuarteto no se encasilla en ningún género y propone. Claro, mantiene su esencia punk, pero rompen el molde al salir de lo común para entregar sonidos que sólo se aprenden atascando los oídos de música y los ojos con lecturas que cambien la mente.

No cabe duda que Dolores (De Huevos) es una banda que esta cambiando esquemas, formas y maneras en las que se crea y produce la música en México. Ellos logran entregar todo lo que a un adolescente mueve pero desde una perspectiva más adulta, mas satírica y sobretodo con actitud.

TOUNDRA – IV

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Pocas veces se entiende una fabula de manera tan precisa cómo cuando las imágenes se vuelven sonidos, cuando los colores se tornan ritmos y los personajes se transforman en las notas que nacen desde una guitarra, un bajo o una batería. De esta manera tan inherentemente calmante, Toundra en su cuarto álbum nombrado llanamente IV, nos cuenta la historia de dos zorros que escapan de un bosque en llamas, logrando pintar de una forma muy audaz la metáfora de cómo el hombre pretende destruir todo a su paso.

Pero IV no sólo es un concepto o una historia atada a la música. IV es un álbum increíblemente bien ejecutado. Es un disco en el que se pueden apreciar las capas, los colores, los detalles y la producción, que con empeño, esta banda oriunda de Madrid imprimió a todo el sonido de esta nueva placa.

En IV, Toundra logra hacer música más intrincada y con un sinnúmero de capas que convergen de manera perfecta, logrando que un universo de emociones e imágenes sean evocadas para darle un destino más prolífico a este disco.

Se podría decir que IV es tan luminoso cómo obscuro. Cada pista grita un sonido que, poco a poco, edifica un cuerpo lleno de emociones diferentes y que establecen un icónico personaje dentro del post-rock. “Kitsune”, por ejemplo, es un tema clásico dentro de los parámetros del género, sin embargo “Viesca”, toma un rumbo diferente que encaja dentro de la desgarradora historia de los zorros y le da un ímpetu narrativo asombroso.

Con estos resultados, es claro que Toundra a través de IV, empuja sus límites e intenta en cada track algo diferente. Pretende, con éxito, trazar diferentes caminos de emociones para la gente. Intrincado y hermoso, eso es IV, y es un disco con el que se debe tener tiempo suficiente para entender las historias que esta banda trata de describir, o en su defecto, formar plenamente interpretaciones personales del álbum como un todo.

GLASSJAW

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Glassjaw siempre ha sido un enigma así como la manera en la que ellos, a través de sus medios, han subsistido en un mundo en el que la música alternativa se contamina cada vez más con la necesidad de ser “amigable”. Entre fans apasionados, críticas destructivas y largas ausencias, Glassjaw se ha convertido en una montaña rusa de emociones que se consagran de manera magistral en cada una de sus producciones. Tanto Everything You Ever Wanted To Know About Silence (2000) y Worship & Tribute (2002) son álbumes únicos, cada uno con un sonido similar pero diferente, uno anteponiéndose a la evolución del otro para consagrar un estilo único que transformó la manera en la que se hace el hardcore, el punk y el post-hardcore.

A momentos con toques de dub y funk, Glassjaw ha sabido amalgamar cada uno de los estilos que desde adolescentes formaron a este cuarteto oriundo de Long Island, NY. Así es como Glassjaw ha sabido transitar entre los telones de diferentes estilos para afincarse como una de las bandas más promisorias de la escena underground a finales de los años 90.

Tal vez una de las características más notorias de la banda, es la forma tan deliberada de combinar sonidos potentes con melodías suaves y ritmos que ejemplifican claramente una estética punk. Y no es para menos si la banda formada por Daryl Palumbo, Justin Beck, Manuel Carrero y Durijah Lang, esencialmente crea su sonido al darle un énfasis más libre a su armonía, a su tono y al dinamismo de sus canciones.

Por otro lado, mientras que bandas similares a Glassjaw hacen uso de acordes muy clásicos, el cuarteto hace de su presencia en la música algo diferente. En su lugar, usan una colección de riffs que implican arreglos frenéticos, erráticos y disonantes; y al mismo tiempo, llenos de colores y sonidos que hacen de esta banda algo incomparable. Eso, en combinación con el uso de efectos únicos, logran que la percepción general de la banda sea de qué es algo que evoluciona cada vez qué se escucha. Este desenfoque de armonía sólo es más intrigante y el hecho de que el género de Glassjaw cambie constantemente, sólo le brinda mayores elementos de crecimiento y se notan mucho en su EP más reciente, Coloring Book (2011).

Glassjaw es una banda que sabe manejar sus ritmos, sus procesos creativos y la manera en la que entrega la música a sus seguidores. Tal vez sea algo poco ortodoxo y poco tolerable para los fanáticos más recalcitrantes, pero sin duda, la calidad de estos neoyorquinos se nota en cada producción y en cada presentación llena de energía y comunión, adjetivos que pocas agrupaciones tienen en su ADN… Y eso es Glassjaw, una flor extraña en un jardín común. Rodeada de imitadores y de críticos duros.

 

DAMIEN RICE – “MY FAVOURITE FADED FANTASY”

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Tuvieron qué pasar 8 años para qué finalmente, Damien Rice, se diera de nuevo a conocer a través de My Favourite Faded Fantasy, álbum que encierra todo ese cúmulo de emociones que el irlandés ha guardado por los últimos años y finalmente las expresa cómo una fantasía que se va desgastando, cómo una efigie que ve pasar el tiempo.

Todo en este álbum esta hecho bien, y qué mejor para un regreso tan esperado cómo este. Damien Rice, en este álbum, logra converger su característica voz con letras nuevas que esbozan, en más de una ocasión, esas emociones que el ha sabido convertir en notas musicales; y al mismo tiempo, ha sabido darle un tono más cercano a Jeff Buckley o Elvis Costello a toda su estructura musical.

Damien Rice tanto en O (2002) y 9 (2006) logró establecerse cómo un artista de folk que daba de que hablar. Su teatralidad se mezclaba con su carisma y ese humor etílico irlandés que hacían de él todo un personaje. Sin embargo en My Favourite Faded Fantasy, encontramos a un Damien Rice más maduro y que logra obtener la presencia de un cantante de opera sin dejar de ser un sólo individuo junto a su guitarra sobre el escenario.

My Favourite Faded Fantasy es un álbum algo complejo de escuchar; y más en una época dónde la música ocupa un espacio más amplio en lo que “suena bien”, que en la sinceridad musical de un cantautor bien hecho y derecho. A pesar de ello, esto no le resta seguridad y calidad a Damien Rice, por el contrario, en esta placa lo ha empujado a buscar diferentes formas de acercarse a su música y en la manera en la que la transmite. Claro ejemplo de ello es la mano de Rick Rubin en la producción de este disco.

El álbum abre con “My Favourite Faded Fantasy”, tema que es a penas la punta del iceberg de lo que Rice quiere compartir en este viaje. Los arreglos en general del disco son más arriesgados, mientras que la producción entera mantiene esa veta de folk; y al mismo tiempo, se pueden encontrar toques de rock, blues y hasta indie, en este álbum, dándole un ímpetu más creativo y que puede alcanzar a interesar a nuevos oídos.

Más adelante nos topamos con “I Don’t Want To Change You”, primer sencillo de esta producción. Este tema es un clásico instantáneo de Damien Rice: Drama, sinceridad y grandes acordes que logran estancarse en la cabeza y hacernos sonreír de manera agridulce.

Ocho años después de su último álbum, ocho años en los que Damien Rice se ha añejado cómo un buen whiskey y, de nueva cuenta, nos muestra por qué hay pocos interpretes que pueden coincidir con su mezcla de cinismo, folk, rock y drama.